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Impresionismo ,Todo Lo Que Debes Saber

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impresionismo

El Impresionismo

La trayectoria del arte pictórico del siglo XIX está presidida por la preocupación por la luz, desde la luminosidad vibrante del romanticismo hasta los poéticos paisajes de la escuela de Barbizon.

En el último cuarto de siglo, el impresionismo culmina esta tendencia de unir visión y luz y se enfrenta al problema de representar el paisaje con sus elementos fluctuantes y sus circunstancias atmosféricas.

El impresionismo, última etapa del naturalismo

El impresionismo, corriente estética iniciada y desarrollada sobre todo en Francia, consiste, de hecho, en una última etapa del naturalismo, porque agudizó la búsqueda de una realidad más auténticamente reflejada que en la pintura anterior.

Centrándose en temas tan prosaicos y cotidianos como los del realismo, los impresionistas los pintaban in situ, como en una instantánea fotográfica y, a menudo, en una sola y rápida sesión, y lograban visiones fugaces que, al ser expuestas, acabaron con la diferenciación convencional entre esbozo y obra definitiva.

Por otro lado, el conocimiento y la valoración del arte japonés y de su concepción decorativa contribuyó a revolucionar los encuadres, a romper la simetría convencional, a despreocuparse por el espacio y la perspectiva, a jugar con el arabesco, a elevar el plano del horizonte.

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Los impresionistas nos muestran la momentaneidad de la expresión óptica, la precariedad de nuestras sensaciones, la relatividad de nuestras apreciaciones estéticas, una captación auténticamente temporal de la impresión óptica.

Presentando la realidad no como un «ser» sino como un «devenir», se conviertenen el último eslabón de la pintura figurativa occidental.

Los pintores barrocos habían representado un cuerpo moviéndose en el espacio; los impresionistas representan un objeto moviéndose en el tiempo.

Su estética es la de la movilidad: no hacían cuadros para verse a distancia, sino cuadros móviles, inquietantes, no porque se muevan ellos, sino porque no se ven con nitidez y porque obligan al espectador a moverse.

Donde nació el impresionismo

Se considera que el impresionismo nació con la unión de C. Monet y A. Renoir,

quienes entre 1869 y 1874 trabajaron juntos a orillas del Sena, decididos a acabar con todas las reglas de taller (perspectiva, composición, claroscuro), y a encontrar una pintura que proporcionara la impresión visual en su inmediatez.

Renoir fue, no obstante, el primero en desertar del grupo y buscar el éxito en los salones oficiales.

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A mediados del siglo XIX no existía un mercado estable de arte, ni galerías donde exponer habitualmente, ni marchantes que se dedicasen a vender las obras de los pintores.

Si un artista se quería dar a conocer, no tenía más remedio que exponer en el Salón de París. Fundado en 1667, se celebraba en el Salón Carré del Louvre con una muestra de pintura, grabado y escultura de autores vivos.

Todas las obras expuestas solían ser muy homogéneas: seguían las normas y las reglas de la Academia, basadas en las enseñanzas de J.-L. David y el clasicismo de J.-A.

Los temas eran muy típicos: bonitos desnudos, anécdotas sentimentales, temas heroicos o religiosos, bodegones, etc. En el Salón de 1863, la tela de E. Manet Desayuno sobre la hierba fue rechazada por el jurado seleccionador de las obras, lo que provocó un gran escándalo en los medios artísticos de París, principalmente entre los jóvenes que tenían a Manet por al mejor artista de su generación.

Napoleón III autorizó la creación de una sala en la que pudieran exhibirse las obras rechazadas en la exposición oficial (de ahí el nombre de Salon des Refusés, salón de los rechazados), donde la tela de Manet, junto con obras de C.

Pissarro, J.B. Jongking, H. Fantin-Latour y otros, fue objeto de gran admiración.

Era la época en la que Monet llegaba a París e iniciaba sus estudios de pintura en el taller Gleyre, frecuentado también por J.-F. Bazille, Renoir y A. Sisley.

Otro punto de encuentro lo constituía la Academia Suiza, donde se podía ir a dibujar del natural sin exámenes ni correcciones; la frecuentaban
G. Courbet, Manet y Pissarro. Manet hizo amistad con E. Degas, y Pissarro introdujo en el ambiente a P. Cézanne.

La guerra franco-prusiana de 1870 dispersó al grupo de pintores que, tomando a Manet como maestro y reuniéndose cada viernes en el Café Guerbois, despreciaban el arte oficial y las reglas académicas.

Acabada la guerra, el grupo decidió organizar por su cuenta una exposición colectiva con telas rechazadas en el Salón de 1874; en el estudio del fotógrafo Nadar expusieron sus telas Cézanne, Renoir, B. Morisot, Degas, Pissarro, Sisley, S. Lépine, E. Boudin y Cal.

Monet expuso Impression: soleil levant, que inspiraría un violento artículo de L. Leroy, crítico de arte de Le Charivari, quien aplicó despectivamente a los organizadores el calificativo de impresionistas, término que posteriormente los artistas adaptaron como distintivo.

Características del impresionismo

El grupo reivindica una pintura al aire libre, lo que les lleva a pintar paisajes del natural con tonos claros y luminosos. Se proponen dar, de la forma más inmediata y con una técnica rápida y sin retoques, la impresión luminosa y la transparencia de la atmósfera y del agua con puras notas cromáticas, independientemente de toda gradación de claroscuro.

Los protagonistas de sus cuadros son, casi siempre, los árboles, las nubes, bañistas, veleros, trigales, las carreras de caballos o el gesto ágil de unas bailarinas. Para ellos no hay temas insignificantes, sino cuadros bien o mal resueltos.

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La luz (y sus efectos cambiantes) es, de hecho, el tema de sus cuadros. Afirman que los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos: al revés que el físico que descompone la luz en colores, el pintor recompone los colores en sensación lumínica.

Practican un realismo absoluto y por ello suprimen el color negro (que no existe en la naturaleza y que es la negación de la luz). Sólo es real la relación aire-luz: por ello los personajes se diluyen en la atmósfera luminosa que les rodea.

Utilizan una paleta de colores claros y puros, en la que no existen contrastes agudos de claros y oscuros.

Su técnica es de toque, ligera y pincelada corta, evitando el contraste entre la figura y su fondo. Usan puntos de color para reproducir la atmósfera vibrante o el movimiento del agua.

Aplican los descubrimientos de Rood y E. Chevreul en sus obras: existen tres colores primarios (amarillo, rojo, azul) y tres complementarios (violeta, verde, naranja); asociados los colores primarios dan el complementario del tercero.

Pero los colores no tienen que mezclarse en la paleta, sino que es el ojo humano el que los fusiona. Además, según la ley de los contrastes simultáneos,
los colores difunden una orla de cromatismo complementario (por ejemplo, el blanco opuesto al rojo parece enverdecer), lo que permite obtener efectos de contraste. Por todo ello, el arte se convierte en un proceso de investigación, de búsqueda.

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El artista y el científico coincidirían, pues, en el deseo de desvelar y dar coherencia a la realidad.

Músicos como C. Debussy, M. Ravel y M. de Falla; escultores como A. Rodin o M. Rosso, y escritores como S. Mallarmé, P. Verlaine o Azorín son otras manifestaciones culturales de este movimiento.

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Redactora especializada en temática de Arte e Historia

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